یایویی کوساما، هنرمند ژاپنی که نقاشی‌های خال‌خالی و اتاق‌های بی‌نهایت آینه‌ای‌اش، وسواس شخصی‌اش را به برخی از عکاسی‌شده‌ترین آثار هنری نیم قرن گذشته تبدیل کرد، در ۹۷ سالگی درگذشت. طبق بیانیه‌های استودیوی او، یایویی کوساما، موزه یایویی کوساما و گالری قدیمی‌اش، دیوید زویرنر، او در ۱۴ آگوست ۲۰۲۶ در بیمارستانی در توکیو درگذشت. خبر درگذشت او در ۲۷ آگوست منتشر شد.
در بیانیه گالری او، علت مرگ از کار افتادن چندین عضو ذکر شده است. سایر رسانه‌ها گزارش دادند که استودیوی او علت خاصی را مشخص نکرده است، بنابراین علت دقیق مرگ او در همه منابع به طور کامل مشخص نیست، اگرچه تاریخ، مکان و واقعیت درگذشت او توسط همه آنها تأیید شده است.
سهم یایویی کوساما در فرهنگ هنری فراگیر
مرگ کوساما فصل مربوط به هنرمندی را که بیشترین نقش را در اثبات این نکته داشت که یک چیدمان هنری بدون حضور تماشاگر می‌تواند به یک لحظه فرهنگی مشترک و آماده برای دوربین تبدیل شود، به پایان می‌رساند؛ همان جریانی که اکنون صحنه‌های اصلی جشنواره‌ها و تجربیات هنری مبتنی بر نمایش را قدرتمند می‌کند. مدت‌ها پیش از آنکه «هنر غوطه‌ور» به دسته‌بندی در هر جشنواره‌ای تبدیل شود، کوساما در حال ساخت اتاق‌های آینه‌ای بود که طوری طراحی شده بودند که بتوان وارد آنها شد، در آنها گشت و گذار کرد و در آنها غرق شد.
این غریزه در اعداد و ارقامی که برگزارکنندگان جشنواره‌ها تشخیص می‌دهند، نتیجه داد. نظرسنجی او با عنوان «آینه‌های بی‌نهایت» در سال ۲۰۱۷ در موزه هیرشورن در واشنگتن دی سی تقریباً ۳۴۰۰۰ پست اینستاگرامی و ۳۳۰ میلیون بازدید ایجاد کرد، که نشانه‌ای اولیه از اشتیاق برای فضاهای هنری قابل اشتراک‌گذاری و تماشایی است که اکنون نحوه طراحی جشنواره‌ها و موزه‌ها را شکل می‌دهد.
یایویی کوساما که بود؟
کوساما در ۲۲ مارس ۱۹۲۹ در ماتسوموتو، ناگانو، در خانواده‌ای تاجر که یک گلخانه و مزرعه بذر را اداره می‌کردند، متولد شد. دوران کودکی او دشوار بود، با مادری بدرفتار و پدری غایب همراه بود، و حدود ۱۰ سالگی دچار توهمات واضح، جرقه‌های نور، میدان‌های متراکم از نقاط و گل‌هایی شد که به گفته خودش با او صحبت می‌کردند.
طراحی به راهی برای مقابله با آن رؤیاها تبدیل شد و تا سال ۱۹۳۹ او تصویری نقطه‌چین از زنی که توسط لکه‌ها محو شده بود، خلق کرد، موضوعی که تا پایان دوران حرفه‌ای‌اش به آن بازگشت. او در سال ۱۹۴۸ مدت کوتاهی در دانشگاه هنر شهر کیوتو به تحصیل در رشته نقاشی سنتی نیهونگا ژاپنی پرداخت، اما از رسمیت آن ناامید شد و به جای آن به سمت آوانگارد اروپایی و آمریکایی روی آورد.
کوساما چگونه شهرت خود را به دست آورد؟
کوساما در سال ۱۹۵۷ به سیاتل و سپس به نیویورک نقل مکان کرد، جایی که به سرعت در کنار هنرمندانی مانند دونالد جاد و اوا هسه به یکی از اعضای ثابت آوانگارد مرکز شهر تبدیل شد. او بوم‌های نقاشی عظیم «شبکه بی‌نهایت» را که برخی بیش از ۹ متر طول داشتند، نقاشی کرد و نردبان‌ها، صندلی‌ها و مبل‌ها را با برآمدگی‌های نرم و آلت تناسلی مردانه پوشاند، در مجموعه‌ای از آثار که اکنون به عنوان پیشگام مجسمه‌سازی نرم شناخته می‌شوند.
او همچنین در اعتراض به جنگ ویتنام، «نمایش‌های برهنه» را در پارک مرکزی و روی پل بروکلین به نمایش گذاشت و در سال ۱۹۶۶ با نمایش «باغ نارسیسوس» بی‌محابا در دوسالانه ونیز شرکت کرد و گوی‌های آینه‌ای تکی را به قیمت دو دلار برای هر کدام فروخت تا اینکه مقامات او را تعطیل کردند. با این حال، معاصران او مانند اندی وارهول و کلس اولدنبرگ اغلب به خاطر ایده‌های مشابه، اعتبار بیشتری کسب می‌کردند، شکافی که مورخان از آن زمان آن را به تبعیض جنسی و نژادپرستی که کوساما به عنوان یک زن ژاپنی که در صحنه‌ای مردسالار کار می‌کرد، با آن مواجه بود، مرتبط دانسته‌اند.
اتاق آینه بی‌نهایت چیست؟
اتاق آینه بی‌نهایت، محفظه‌ای آینه‌کاری شده است که پر از چراغ‌ها یا گوی‌های معلق است که بی‌نهایت منعکس می‌شوند و دیوارها را در فضایی بی‌کران حل می‌کنند. کوساما این مجموعه را در سال ۱۹۶۳ آغاز کرد و تا پایان عمر به ساخت نسخه‌های جدید آن ادامه داد و در نهایت چیدمان‌های دائمی آن را در موزه‌هایی از جمله کارخانه تشک در پیتسبورگ، موزه براد در لس‌آنجلس، موزه هنر مدرن لوئیزیانا در دانمارک و گالری ملی استرالیا قرار داد.
برای صحنه‌ای که حول محور تبدیل فضاهای فیزیکی مشترک به تجربیات فراموش‌نشدنی و قابل مستندسازی ساخته شده است، اتاق‌های بی‌نهایت به یک متن اولیه نزدیک هستند. آنها دهه‌ها قبل از اینکه پروژکتور مپینگ و محیط‌های LED به اجزای اصلی جشنواره‌ها تبدیل شوند، ساخته شدند و ثابت کردند که مخاطبان ساعت‌ها برای چند دقیقه در فضایی که صرفاً برای حس کردن و عکس گرفتن ساخته شده، صف می‌کشند.
بازگشت به اوج پس از سال‌ها گمنامی
کوساما در سال ۱۹۷۳ به ژاپن بازگشت و با استقبال خصمانه منتقدانی مواجه شد که او را «ملکه رسوایی» می‌نامیدند. در سال ۱۹۷۷، پس از یک اقدام خودکشی دیگر، او داوطلبانه خود را در یک بیمارستان روانی بستری کرد، جایی که پزشکی را یافت که از هنر درمانی استفاده می‌کرد و تصمیم گرفت تا آخر عمر در آنجا زندگی کند، و استودیوی او در فاصله کمی از او در توکیو قرار داشت.
سرانجام شهرت دامن‌گیر این اثر شد. یک نمایشگاه مرور آثار در نیویورک در سال ۱۹۸۹، نمایش او از ژاپن در دوسالانه ونیز در سال ۱۹۹۳، و یک نمایشگاه مرور آثار در سال ۱۹۹۸ که با همکاری LACMA و MoMA برگزار شد، توجه بین‌المللی را دوباره به خود جلب کرد و مجسمه‌های کدو تنبل او که پس از آن دوسالانه ۱۹۹۳ به عنوان نوعی خودِ دیگر شخصی توسعه یافتند، فوراً به نمادهایی قابل تشخیص در نوع خود تبدیل شدند. در سال ۲۰۰۶، او اولین زن ژاپنی شد که نشان پرمیوم ایمپریاله، یکی از بالاترین افتخارات دنیای هنر، را دریافت کرد و در سال ۲۰۱۶ نشان فرهنگ ژاپن را دریافت کرد. موزه یایویی کوساما، که او شخصاً آن را تأسیس کرد، در سال ۲۰۱۷ در توکیو افتتاح شد.
او درباره میراث خودش چه گفت؟
کوساما در مورد معنای هنر برای خودش رک و راست بود. او گفت: «من تا زمان مرگم به نقاشی ادامه خواهم داد.» و در جای دیگری، «احساس می‌کنم چیز زیادی از زندگی‌ام باقی نمانده است، اما اکنون هنوز تا پای جان برای هنرم می‌جنگم.» او در زندگینامه خود با عنوان «اینفینیتی نت» نوشت: «اگر صد سال بعد، کسی هنر من را ببیند و فکر کند که کوساما کارهای واقعاً خوبی انجام داده است، من راضی خواهم بود. هنر برای من یک عقیده است.»
او همچنین آثارش را در قالب مفاهیم کیهانی قرار می‌داد که به طور طبیعی با مقیاس آثارش همخوانی داشت: «زمین ما تنها یک نقطه در میان میلیون‌ها ستاره در کیهان است.» طبق بیانیه‌ای از موزه یایویی کوساما، او تا روزهای پایانی عمرش به نقاشی ادامه داد و هرگز قلم‌مو را زمین نگذاشت.
چه اتفاقی برای کار و نفوذ کوساما در آینده خواهد افتاد؟
موزه یایویی کوساما در توکیو به عنوان خانه دائمی آثار او همچنان باز است و اتاق‌های آینه‌ای بی‌نهایت او در موزه‌های سراسر جهان برای مدت طولانی در معرض دید عموم قرار دارند. انتظار می‌رود دیوید زویرنر، گالری او از سال ۲۰۱۳، همچنان نماینده اموال و بنیاد او باشد، اگرچه جزئیات مراسم تشییع جنازه و یادبود تا زمان نگارش این مطلب منتشر نشده است.
کوساما نزدیک به هفت دهه را صرف تبدیل توهمات خصوصی به نمایش‌های عمومی کرد و با این کار به نوشتن طرح اولیه‌ی تجربیات هنری فراگیر و آماده‌ی عکاسی کمک کرد که اکنون بخش زیادی از فرهنگ جشنواره‌ها و چیدمان‌ها را تعریف می‌کنند.
برای اطلاعات بیشتر در مورد هنرمندان و آینده‌نگرانی که آینده هنر فراگیر و جشنواره‌ای را شکل می‌دهند، با FeedFreq همراه باشید.
